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präsentiert von VISIONS, detektor., fm Star Fm Alternative, SLAM laut.de & MusikBlog.de

Silversun Pickups

1 Nov 2016

Dolan Twins

„DOLAN TWINS 4OU“
2 Nov 2016

The Brew

+ Pristine + Marius Tilly
5 Nov 2016

Glass Animals

+ Pumarosa
7 Nov 2016
Ausverkauft / sold out

65daysofstatic

9 Nov 2016

Red Hot Chilli Pipers

“Octane Tour 2016”
10 Nov 2016

Letz Zep

Zeppelin’s Resurrection!
11 Nov 2016

Staubkind – VERLEGT auf den 11.03.2017

Tour 2016
12 Nov 2016
Verschoben / rescheduled

The Growlers

+ Kiss All Hipsters DJ Team feat. Arnold Scheepmaker
12 Nov 2016
Ausverkauft / sold out
präsentiert von RadioEins und Spex

Kevin Morby

Support: Meg Baird
13 Nov 2016

Beak>

14 Nov 2016
+ Odd Beholder

Hundreds

Wilderness Tour 2016
15 Nov 2016
Ausverkauft / sold out
The Blinding Dark Tour 2016

Covenant

+ Faderhead + Iszoloscope
17 Nov 2016

Peter Subway & The Tickets

+ BBC (British Beef Club) + Wolfgang Scheele Band feat. Billy Crize
18 Nov 2016
with special guest and desert legend Sean Wheeler + Black Rainbows

Brant Bjork

19 Nov 2016

The High Kings

20 Nov 2016

The Common Linnets

22 Nov 2016

Lukas Rieger

Compass Tour
23 Nov 2016

Tony Hadley

24 Nov 2016
präsentiert von Jazzthing und Kulturnews

Kari Bremnes

with Børre Flyen, Sondre Meisfjord, Børge Petersen-Øverleir, Bengt E. Hanssen, Geir Østensjø
25 Nov 2016

Psychedelic Night

25 Nov 2016

Imany

Don't Be So Shy 2016
26 Nov 2016
Ausverkauft / sold out
präsentiert von RadioEins

The Julie Ruin

Support : Rattle
27 Nov 2016
präsentiert von SLAM Metal.de , EMP und Star Fm from Hell

Skindred & Zebrahead

+ Sanguine
29 Nov 2016

Silversun Pickups

präsentiert von VISIONS, detektor., fm Star Fm Alternative, SLAM laut.de & MusikBlog.de
Di 1 Nov 2016 Archiv

Nach ihrer umjubelten Tour im Februar/März haben SILVERSUN PICKUPS jetzt bestätigt, dass sie im Oktober/November wiederkommen, um in drei weiteren Städten zu spielen. Im Mittelpunkt wird natürlich auch da das neue Album „Better Nature“ stehen, das im vergangenen Herbst erschienen ist. Der Kern des Ganzen ist das unglaublich intuitive Zusammenspiel von Gitarrist Brian Aubert, Bassistin Nikki Monninger, Keyboarder Joe Lester und Schlagzeuger Christopher Guanlao – wobei das nur die grundsätzlichen Rollen im Bandgefüge sind –, das sich um Auberts introspektive Texte windet. Die SILVERSUN PICKUPS gehörten seit ihrer Gründung 2004 stets zu den innovativsten, kreativsten, dynamischsten und experimentierfreudigsten Bands im Indie Rock. Das haben sie auch auf der neuen Platte bestätigt. Der Klang ist deutlich wärmer geworden, die Gitarren treten etwas mehr in den Hintergrund, die Songstrukturen sind ausschweifender geworden und klingen groß und bombastisch. „Die Stimme von Sänger Brian Aubert war durchgehend ein Brett. Genauso verhält es sich mit seinem Können an der Gitarre, wobei jedes Bandmitglied sein Instrument beherrscht. Was die Band aus Los Angeles veranstaltete, war ein großer Konzertabend!“, lautet die Kritik von noisiv.de nach dem Auftritt in Hamburg, und die Shows im Herbst werden mindestens genauso gut.
29.10.2016 Münster – Jovel 01.11.2016 Berlin – Columbia Theater 04.11.2016 München – Theaterfabrik
Präsentiert werden die Tourdaten von VISIONS, SLAM, detektor.fm und MusikBlog.de.
Tickets für die Shows gibt es ab Mittwoch, den 22. Juni 10 Uhr für 25 Euro zzgl. Gebühren an allen bekannten CTS–VVK-Stellen sowie unter der Hotline 01806 – 853653 (0,20 €/Anruf aus dem Festnetz, Mobilfunk max. 0,60 €/Anruf), auf fkpscorpio.com und eventim.de

Dolan Twins

„DOLAN TWINS 4OU“
Mi 2 Nov 2016 Archiv

mytubestars presents:

The Dolan Twins Die YouTube Sensationen Gray und Ethan Dolan, besser bekannt als The Dolan Twins kommen im November für ihre erste Europatour „DOLAN TWINS 4OU“ nach Oberhausen und Berlin.

Die beiden Zwillinge haben eine Live Performances entwickelt, die aus Meet&Greets und vielen weiteren Überraschungen besteht, damit dieses Event für Ihre Fans unvergesslich wird!

Die Social Media Stars haben gemeinsam eine Reichweite von über 19 Millionen und sind aktuell die beliebtesten Teenager weltweit. Mit ihren Sketchen über das verrückte Teenagerleben haben die beiden 16-jährigen Teenie-Schwärme aus Kaliforniern mittlerweile auch außerhalb der USA eine enorme Fanbase aufgebaut.

 

The Brew

+ Pristine + Marius Tilly
Sa 5 Nov 2016 Archiv

THE BREW kommen mit neuem Studioalbum auf große Europatournee. Am 23.09. ist es endlich soweit, denn dann wird das langersehnte neue  Studioalbum des High Energy -Trios aus Grimsby, England erscheinen. Wenige Wochen später werden THE BREW dann die neuen Songs live auf europäischen Bühnen präsentieren.

Live ist das britische „Gebräu“ sowieso über jeden Zweifel erhaben & zelebriert jede Show dermaßen energetisch, dass man das Gefühl hat in die Anfänge des 70er Rock zurückkatapultiert zu werden, in Zeiten als Bands wie The Who oder Led Zeppelin als die unumstrittenen Könige des Rock´n´Roll ihre Fans noch zum Durchdrehen brachten. Nichtsdestotrotz leben THE BREW („einer der mitreißendsten Live-Acts der Gegenwart“ Rocks Magazin) nicht in der Vergangenheit sondern verkörpern eine zeitgemäße, moderne Band, die zwar zu ihren Roots steht, aber auch von aktuellen Acts wie The Black Keys, Rage Against The Machine, Kasabian
oder auch Kula Shaker beeinflusst wurde.

Zudem haben The Brew zwei interessante, neue Support Acts zur Tour eingeladen:

PRISTINE aus Norwegen und MARIUS TILLY. aus Deutschland.

Glass Animals

+ Pumarosa
Mo 7 Nov 2016 Archiv
Ausverkauft / sold out Facebook Event Website
In den letzten zwei Jahren haben Glass Animals ordentlich für Furore gesorgt: Ihr Debütalbum „Zaba“ erreichte Platz Eins der US Alternative Album Charts, Auftritte auf den beliebtesten Festivals der Welt, eine ausverkaufte US-Tour und über 100 Millionen Streams auf Spotify sprechen für den Erfolg der Indie-Rock Band aus Oxford, England. Die schon seit Schulzeiten befreundeten Musiker wurden von Talentscout und Erfolgsproduzent Paul Epworth – u.a. auch verantwortlich für Adele, Florence & The Machine, Lana Del Rey, etc. – in ihre endgültige Form gebracht. Alles in Allem sind Glass Animals eine aufregende Mischung und zeigen, wie Indie Musik von der Insel auch klingen kann.

It’s less than 48 hours after frontman Dave Bayley has applied the finishing touches to Glass Animals’ second album and he’s contemplating where he and his bandmates found themselves only two years ago. “It’s mad, we were in our friend’s basement playing to four people,” he laughs.

Fast forward to six months ago and they were rounding off a tour that catapulted Dave and bandmates Drew MacFarlane (guitar), Edmund Irwin-Singer (bass) and Joe Seward (Drums) around the world and back; climaxing in sold-out shows at The Wiltern in LA and Terminal 5 in New York, via huge festival slots in Australia, the US and – of course – Glastonbury.

Have they been able to gain any perspective on all this worldwide success? “I don’t know if I have!” Dave wonders. “It’s such a strange position to be in. I always thought Glass Animals would just be a fun thing to do with my friends. To be able to do it as a career is totally mental. I haven’t had time to think about it. I’d probably go crazy if I did.”

Indeed, given the successes, Glass Animals would be ripe for the cliched ‘difficult second album’ experience. Every tour has sold out, they’ve hit 200 million streams and debut album ‘Zaba’ shifted over 500,000 records. For a band on a label backed by legendary producer Paul Epworth no less – the pressure to up the ante had potential crippling side-effects.

Dave doesn’t bat an eyelid when it comes to the mention of the sophomore slump phenomenon at all, though. He simply didn’t have time to get himself in a pickle. Instead, only six months after getting off the road he’s already plotting what the stage sets are going to look like, how the artwork will take shape, and so on.

The new LP – titled ‘How To Be A Human Being’ – has come together so fast you’d assume they wrote it on the road. “No! We didn’t have time,” says Dave. “It happened as soon as we came off the tourbus.” Before his suitcase was even on the ground, Dave was setting up shop in their small studio space in Hornsey, North London by himself. Writing the skeleton of the album in a week and a half over Christmas, he was desperate to put the experiences of the last two years onto paper before he forgot them. “I had the most successful time I’ve ever had writing,” he says humbly. “I had all of these stories in my head.”

Mapping out the skeletons of the songs proved to be an entirely different process from that taken on ‘Zaba’. “Last time, I started with beats and electronic soundscapes, and this time I started mainly with chords, vocal lines… sometimes even lyrics. I tried to invert the whole process,” he explains. The majority of the writing, sonics and production was taken care of in an intense 10-day period. Then in January, Dave began polish out the stories, lyrics, and music, perfecting the parts.He would send the bear bones of each song to the band. He would bring the demos to the band, and as a group they would develop the music further, experimenting with the arrangements and instrumentation.

As indicated by lead single ‘Life Itself’, the new sound is bigger, bolder and far more ambitious. Dave makes a point of not listening to his contemporaries when making music, preferring to look inwards to the world Glass Animals have built. In crafting this record, his thoughts returned to one factor he couldn’t even dream of on ‘Zaba’ – the huge live audiences they’d been drawing. “You sense what the crowds react to: big drums, bass, high tempo.”

As Glass Animals’ live set evolved, so did their sonic aspirations. Dave himself is like an electro Einstein, forever pursuing his next lightbulb moment. “That instant when a melody pops into your head and you know that’s the one, or you sit down at a piano, hit four strange chords in a row and think – ooh that works! There was a conscious effort to make this record harder, angular and in-your-face. I started appreciating rawness.”

The band would use first takes, shabby recordings, and sounds that resonated with soul, despite their technical imperfections. Much of this proved to be a punk-like reaction to the high-polished nature of pop Dave was hearing on the radio. “I was paranoid that’s what we sounded like,” he says. “On the last record I had the opposite mentality. Everything had to be perfect. This is more gritty. We’ve shaken that mentality now.”

‘How To Be A Human Being’ is about people. Many of his lyrical ideas came from live recordings of people saved on Dave’s phone, as though he’d been operating as some sort of roaming journalist all this time. “I try to sneakily record people, and I have hours and hours of these amazing rants from taxi drivers, people we met outside of shows,mpeople at parties. People say the strangest shit when they don’t think they’re ever gonna see you again…and sometimes they’ll break your heart with the saddest, most touching stories.” The voice notes sparked ideas for characters that Dave developed, writing an album like a TV screenwriter might approach a script. “I’d obsess over what they ate, where they lived, what their furniture looked like, what they wore,” he laughs. “Some of it’s quite autobiographical but said through the eyes of someone else.”

Their fascination with the human condition is understandable given their relative isolation a few years ago. Back in Oxford, studying medicine at university, the thought of being a real-life viable band wasn’t something that crossed their mind. They were living in a bubble.

“We spent those years really isolated, just making our own noise. Then all of a sudden we crashed into this place where we were in a different city every day, meeting so many characters every day.”

From the depths of ‘Agnes’ to the danceable humour of ‘Life Itself’, this second album is a zeitgeist-leaning, intrepid exploration into what makes us all tick, told from the viewpoint of four guys who have experienced life in its most extreme and unexpected form for the past two years. It doesn’t just connect with your feet – it connects with your brain, your heart, your soul.

‘How To Be A Human Being’ is a multi-layered, nuanced album that uniquely splices together 40 years of sonic history in a way that’s  forward-sounding. In the characters and themes explored, the record creates a world for fans to inhabit. With every listen comes further insight, not just into Glass Animals’ universe but the human condition itself.

 

 

 

65daysofstatic

Mi 9 Nov 2016 Archiv

65daysofstatic sind eine Instrumental, Math-Rock Band, die sich 2001 in Sheffield gegründet hat. Mit ihrem eigenwilligen Sound, der sowohl überzeugend als auch spaltend ist, haben 65daysofstatic bereits sechs Alben und mehrere EPs und Singles veröffentlicht. Mit ihrer Musik bespielte die Band bereits die ganze Welt an den außergewöhnlichsten Orten: Von Clubs in Nordeuropa, über Pubs und Arenen in Amerika bis hin zu Landepisten und Urwäldern im fernen Osten und Australien. Zu ihren früheren Arbeiten gehört ein Live-Soundtrack des Science Fiction Klassikers „Lautlos im Weltraum“, das Sound-Design zu der BBC Adaption zu „Slaughterhouse Five“ (dt.: „Schlachthof 5“) sowie eine Zusammenarbeit an Jean Abreus Tanzstück „Inside“.

Ihr letztes Album „Wild Light“ veröffentliche die Band im Oktober 2013. Seitdem sind 65daysofstatic kontinuierlich auf Tour und arbeiten gleichzeitig an verschiedenen Projekten für die Zukunft. Die Band hat zudem gerade ihre Arbeit an dem Soundtrack zum preisgekrönten Weltraumerkundungs-Videospiel „No Man‘s Sky“ von Hello Games beendet. Der Soundtrack wurde bereits am 17. Juni veröffentlicht, das Spiel erscheint im Laufe dieses Jahres.

Red Hot Chilli Pipers

“Octane Tour 2016”
Do 10 Nov 2016 Archiv

Seit die Red Hot Chilli Pipers 2007 bei der zur besten Sendezeit ausgestrahlten UK TV Talentshow “When Will I Be Famous” den ersten Preis gewannen, sind sie kaum zum Luft holen gekommen – es sei denn, um ihre Dudelsäcke zu blasen.Ihr charakteristischer “Bagrock”-Sound hat den  RED HOT CHILLI PIPERS ein breites Publikum beschert und die  Chilli Pipers in kürzester Zeit zu einem globalen Phänomen gemacht.
Die Band bringt Konzertsäle von den USA bis nach China zum Rocken. Sie gewannen 2007 und 2010 den Scots Trad Music Award als bester Live Act.
Nach 10 ereignisreichen und unglaublichen Jahren, nimmt das CHILLI Abenteuer mit ihrem neuen Studio Album “Octane“ seinen Lauf.
Zwei Jahre nach “Live at the Lake“ hat die Band den „Bagrock“ auf ein ganz neues Level gebracht.  „Octane “ (auf Deutsch“Oktan“)ist im Januar bis März 2016 in Edinburgh, Florida und New York aufgenommenworden und  wird im Herbst 2016 veröffentlicht.

Mit raffinierten Cover-Versionen von „La Grange“ von ZZ Top und einer großartigen Version von Van Halen´s „Jump“ geben sie nur ein paar Beispiele dafür, wie gut Rockmelodien mit Dudelsäcken harmonieren.
Auf “Octane” sind auch originale Kompostionen wie “The Fallen” und die ein oder andere Titel mit Gesang.
Den größten Teil der Jahre 2014 und 2015 haben die  RED HOT CHILLI PIPERS damit verbracht, vor weltweit ausverkauften Häusern ihre phänomenale Live-Show zu perfektionieren.
Reisen nach Europa und in die USA festigten den Ruf der Band als einen der angesagtesten Live-Acts! U.a. haben die Chilli’s bei der MTV Europe Awards in Glasgow gespielt und Sketches mit Ed Sheeran und David Hasselhof gedreht. Die Chilli´s haben auch beim Fussball EM Qualifikationsspiel zwischen Deutschland und Schottland die Nationalhymne gespielt.
2016 verspricht ein Jahr voller Highlights zu werden, angefangen mit einer ausverkauften Show im legendären BB Kings Blues Club am Times Square in New York.
Die Chilli´s werden dieses Jahr u.a. nach Wacken Open Air Festival zurückkehren wo sie an allen vier Tagen vom welt-berühmtesten Heavy Metal Festival auftreten werden.
Die Chilli´s werden auch auf anderen renommierten Europäischen Festivals spielen wie Paleo in der Schweiz und das Europäische Folklore Festival in Neustadt in Holstein. 2015 haben die Erfinder des „Bagrock“ mit ihren einzigartigen Sound neue Dimensionen erreicht, und 2016 verspricht natürlich noch mehr Jock ´n´ Roll Abenteuer.

Letz Zep

Zeppelin’s Resurrection!
Fr 11 Nov 2016 Archiv

Achtung verlegt vom PBHFClub ins Columbia Theater Bereits gekaufte Karten behalten Gültigkeit!!!

“I walked in I saw me” – Robert Plant

Bands, die alten Helden nacheifern, gibt es viele, doch nur wenige schaffen es, falls sie den musikalischen Vorgaben der Legenden überhaupt gerecht werden, auch eigene Akzente zu setzen. Die Briten Letz Zep gehören zu dieser verschwindend kleinen Minderheit , die Originalität mit Authentizität verbindet.


Led Zeppelin selbst ziehen den Hut vor ihren Wiedergängern und laden sie zu offiziellen Fan-Events ein, falls Billy Kulke, Andy Gray und Co. nicht irgendwo auf der Welt Headliner-Gigs spielen, sei es im ausverkauften Pariser Olympia oder in der Heineken Arena Madrid, auf Festivals in Mexiko oder Venezuela. Die Gruppe ist längst genauso zum globalen Phänomen geworden wie ihre Vorbilder.
Deren Plattenfirma Warner nennt Letz Zep die beste Band im Geiste von Page und Plant, Medien wie Rolling Stone, Classic Rock oder der französische Figaro widmen ihnen mehrseitige Features, und die BBC strahlt Mitschnitte ihrer Shows aus. Letz Zep decken den gesamten Katalog von Led Zeppelin ab und erweitern ihr Repertoire fortwährend um zusätzliche Klassiker, beschränken sich also nicht nur auf die offensichtlichen Gassenhauer. Ihre Performance gibt somit einen umfassenden Eindruck des Schaffens der Rock-Ikonen und begeistert Unbedarfte wie Szene-Veteranen. Letz Zep sind keine Nostalgieveranstaltung, sondern eine musikalische Revolte gegen den Zahn der Zeit, ein herzzerreißender Aufschrei gegen das Vergessen, denn sie lassen aufleben und führen weiter, was die Wegweiser in Sachen Rock viel zu früh ruhenließen. Nun schicken sich Letz Zep abermals an, Kontinentaleuropa mit über zweistündigen Konzerten zu beehren und für ein Wiederhören vertrauter Musik mit anderen Ohren zu sorgen.

Staubkind – VERLEGT auf den 11.03.2017

Tour 2016
Sa 12 Nov 2016 Archiv

Verschoben / Rescheduled: Leider müssen wir Euch heute mitteilen, dass die die Herbsttour von STAUBKIND auf das Frühjahr 2017 verschoben wird. Die Tickets für die jeweiligen Konzerte behalten ihre Gültigkeit oder können an den entsprechenden Vorverkaufsstellen zurückgegeben werden. Ein Statement von Louis Manke zur Verlegung findet Ihr auf www.staubkind.de und auf wwww.facebook.com/staubkind.music Neue Termine - Staubkind-Tour 2017 02.03.2017 Worms - Das Wormser 03.03.2017 Köln - Essigfabrik 04.03.2017 Bochum - Zeche 09.03.2017 Hamburg - Markthalle 10.03.2017 Kiel - Max 11.03.2017 Berlin - Columbia Theater 16.03.2017 Magdeburg - Moritzhof 17.03.2017 Oldenburg - Kulturetage 18.03.2017 Hannover - Musikzentrum 30.03.2017 Osnabrück - Rosenhof 31.03.2017 Leipzig - Werk II 01.04.2017 Dresden - Tante Ju 06.04.2017 CH-Pratteln 07.04.2017 Nürnberg - Hirsch 08.04.2017 Stuttgart - Wizemann 09.04.2017 Augsburg - Spectrum 20.04.2017 Frankfurt a.M. - Batschkapp 21.04.2017 Erfurt - HSD 29.04.2017 Zwickau - Alter Gasometer

Wenn Musik es schaffen kann, mitzureißen, zu berühren, um aus dem Alltag zu entführen oder sie einfach dahin mitzunehmen, um zu träumen, zu lieben und zu leben – dann hat man es genau mit dem zu tun, was die Berliner Band Staubkind ausmacht.
Seit 2004 führt die Band um den Sänger und Gitarristen Louis Manke Pop-Rock in harmonischen Melodien zusammen, alles erzählt in ehrlichen deutschen Texten und lässt damit ihre stetig wachsende Fangemeinde Träume fangen.

Nach zwei erfolgreichen Alben, unzähligen Konzerten und Festivals haben sich Staubkind spätestens im Sommer 2012 mit dem von Henning Verlage produzierten, dritten Album „Staubkind“ und als Support von Unheilig auf der „Lichter der Stadt“-Tour ganz groß Gehör verschafft. Einstieg in die Album-Charts auf Platz 37, neun Wochen dort und schließlich auch in den österreichischen Album-Charts, die Single „So nah bei mir“ im Radio und schließlich eine überaus erfolgreiche, eigene Herbsttour 2012.
Und im Jahr darauf folgte der Band-Traum einer Akustik-Tour, die mit dem zugehörigen Akustik-Album 2013 quer durch
Deutschland und eben jenes Album auf Platz 33 in die Album-Charts führte.
„Alles was ich bin“ – unter diesem Motto stand 2014 nicht nur das vierte Studio-Album, das im Juli 2014 erschien, sondern auch das mittlerweile zehnte Jahr der Staubkind-Bandgeschichte.
Das Album, das erneut in Zusammenarbeit mit Henning Verlage entstand, enterte aus dem Stand Platz 8 der Deutschen Album-
Charts und brachte mit den Singles „Wunder“ und „Was für immer bleibt“ weitere Radio-Hits hervor. Und schließlich flimmerte die Berliner Band sozusagen mit „Heimvorteil“ im berühmten „Mauerwerk“ in der erfolgreichsten, deutschen Daily-Soap „Gute Zeiten Schlechte Zeiten“ über den Bildschirm.

Eine ausgedehnte Herbst-Tour und ein ausverkauftes Jubiläums-Konzert in Berlin markierten weitere Höhepunkte des Staubkind-Jahres 2014.
Und da, wo die Berliner 2014 aufhörten, wurde 2015 Jahr angeknüpft – live und auf Deutschlands Bühnen fühlen sich Louis Manke und seine Band immer noch am wohlsten und so wurde die erfolgreiche „Alles was ich bin“-Tour im Frühjahr fortgesetzt. Zahlreiche ausverkaufte Konzerte, ein erlebnisreicher Festival-Sommer – Staubkind waren und sind unterwegs, um ihren Pop-Rock weit über die Grenzen der Band-Heimat Berlin hinauszutragen.

Denn genau das ist das Gefühl, dass die Musik von Staubkind ausmacht – ein Tag im Großstadtleben, an dem die Zeit trotzdem stillstehen kann und der einen Moment lang träumen lässt – und das versehen mit der Handschrift puren Lebens.
Und während der Herbst Einzug hält, ist Staubkind-Kopf Louis Manke schon wieder dabei, Ideen und Träume Wirklichkeit werden zu lassen.
Die Akustik-Konzertreihe „Wo wir zu Hause sind“ bringt die Band in den nächsten Jahren 2016/2017 in leisen Tönen und mit ausgefeilten, fantasievollen Arrangements auf ganz besondere Bühnen – wie z.B. zu zwei ausverkauften Abenden ins Zeiss Planetarium Jena.

Und so ganz nebenbei werkelt man bereits an den neuen Stücken für das fünfte Album, das 2016 erscheinen soll.
Es warten neue, kraftvolle und emotionale Songs, die im Hier und Jetzt und vor allem im Herzen der Zuhörer ohne Umwege ankommen und einen Platz finden werden.

Staubkind „Alles was ich bin“ – und was sie sein werden.

The Growlers

+ Kiss All Hipsters DJ Team feat. Arnold Scheepmaker
Sa 12 Nov 2016 Archiv
Ausverkauft / sold out Website

The Growlers machen nicht nur originellen Sound, sondern sind auch wortschöpferisch kreativ.
So hat die Band um Frontmann Brooks Nielson für ihr ganz spezielles Gemisch den hübschen Begriff „Beach Goth“ geprägt. Eine tolle Wortkreation für das inspirierte und inspirierende Gemisch aus Surf und Garage, Indiepop und Country, Psychedelic und 60s-Retro, das uns das Quintett serviert.
Seit 2006 am Start, haben The Growlers bisher drei Alben „Are You In Or Out“ (2009), „Hot Tropics“ und jüngst erst „Hung At Heart“ veröffentlicht. Auf dem neuesten brillieren die Fünf mit „mutigen und eigenwilligen Songs“ (Rolling Stone).„Als wir mit der Band anfingen, waren wir ziemlich mies.
So nannten wir uns kurzerhand Growlers, weil das ein anderes Wort für „Kacken gehen“ ist“, erklärt Frontmann Brooks Nielson der Plattform JellyBlog. Die Freunde aus der Stadt Dana Point im Orange County, Nielson und Gitarrist Matt Taylor schrieben ihre Songs mit einer bestimmten Idee im Kopf: „Wir wollten nach Long Beach ziehen, Musik machen und möglichst weg von anderen Leuten sein“.
Inzwischen ist die Band allerdings längst hip genug, so daß sie kaum vor anderen Leuten flüchten kann. Der Hype war nicht weit und bei einem Konzert beim SXSW in Austin stand selbst Bill Murray im Publikum. Auch ihre Videos zu Songs wie „Gay Thoughts“ oder „Drinking The Blues“ sind kleine Kunstwerke und live neigen The Growlers zum theatralischen, was die Konzerte zu echten happenings werden lässt.
Oder wie das Onlinemagazin auftouren.de es ausdrückt: „Sie bringen das Kunststück fertig, nach Manege zu klingen, ohne jeglichen Zirkus zu veranstalten.“ So schwärmte auch Eric Pfeil in der FAZ vom Kölner Konzert: „The Growlers haben Songs und Sound. Man stelle sich vor, die Strokes hätten sich Schlapphüte aufgesetzt und wären auf Skateboards von New York an die Westküste gerollt, um sich ein bisschen den Teint aufzubessern……….“

Kevin Morby

Support: Meg Baird präsentiert von RadioEins und Spex
So 13 Nov 2016 Archiv

Kevin Morbys von Kritikern und Publikum gleichermaßen geliebtes neues Album Singing Saw (VÖ im April 2016) ist bereits das dritte Solo-Album des 28-jährigen.

Nachdem er 2008 als 20-jähriger mit Cassie Ramone von den Vivian Girls die Indie-Punk-Band THE BABIES gründete und 2010 für ein paar Jahre als Bassist bei den Freak-Folk-Heroen WOODS anheuerte, entschied er sich 2013 für eine Solo-Karriere und veröffentlichte sein Debüt-Album „Harlem River“, eine Hommage an New York, die Stadt die er verließ, um nach Los Angeles zu gehen und sich an diesem Ort neu zu finden.

Mit seinem zweiten Soloalbum „Still Life“ (2014) ging Morby einen musikalischen Schritt in Richtung Dylans „back to basic“ Phase und veröffentlichte eine zeitlose Platte, deren Texte von Tod, Verlust, aber auch von Aufbruch handelten.

Und nun das dritte und beste Album „Singing Saw“: Wenn das Pitchfork Magazin schreibt, „Morby speaks the language of records“, dann meint es genau das: Morby ist eine alte Seele, eine, die schon während Lou Reeds Transformer-Sessions mit im Studio rumhing, die Cohen’s Songs of Love and Hate mitgeschrieben hat, und Nikki Sudden zum Frühstück den Wein in Schläuchen reichte. Und dabei hat Morby viel gelernt: Die Arrangements auf Singing Saw sitzen wie eine Eins, Morby weiss ganz genau weiss, wann die Strings einzusetzen haben, wann der Chorus kommen muss, und wie die Mariachi-Sätze am besten das Leid mindern.

Als Support dürfen wir Meg Baird ankündigen. Sie war Sängerin, Songwriterin und Gitarristin in ESPERS und hat schon mit Will Oldham, Kurt Vile, Sharon Van Etten und Steve Gunn kollaboriert.

 

„Der 28-jährige Texaner spielt auf seinem dritten Soloalbum ungeahnte Arrangeurstalente aus, hat für jeden Song die passenden Einzelteil im Sortiment, für jeden Akkordwechsel einen klugen Kniff vorrätig. (…) Schon die Vorabsingle war jedenfalls spektakulär: In „I Have Been To The Mountain“ bringt Morby eine nervöse Akustikgitarre mit Systemfehler-Synthies und dem besten Basslauf seit dem ersten Song auf der ersten Strokes-Platte zusammen. In weniger als 30 Sekunden. Dann kommt ein klangstablastiges Schlagzeug dazu, eine Mariachi-Trompete, drei Backgroundsängerinnen und zur Krönung ein Gitarrensolo, das sich anhört, als würde Edwyn Collins auf frisch gewischtem Linoleum ausrutschen.“ (Daniel Gerhardt in SPEX)

„“Singing Saw“ ist ein schlaftrunkener, janusköpfiger Trip durch ein Americana-Wunderland von finsterer Schönheit.“ (Joscha Kollascheck in INTRO)

„So übertrifft Morby alle Erwartungen: Er liefert nicht nur sein bisheriges Meisterwerk, sondern eine richtungsweisende Platte für das Folkgenre.“ (Kulturnews)

„Man kann nur hoffen, dass der aktuelle, mit Kritiker-Topnoten angeheizte Hype nicht zum schweren Mühlstein für den hoch veranlagten US-Songwriter Kevin Morby wird.“ (Zeit Online)

„Sein Umgang mit den Traditionen weist Kevin Morby als Erneuerer aus und zeigt: Ein Singer/Songwriter braucht keinen großen Anlauf, um das heimische Genre nachhaltig zu verrücken.“ (Markus Hockenbrink in VISIONS, 9 von 12 Punkten)

„Sein bisher bestes Solo-Album.“ (Andreas Borcholte auf SPIEGEL ONLINE, 8.0 von 10 Punkten)

 

Beak>

Mo 14 Nov 2016 Archiv

Following the recent announcement of the release of BEAK>’s soundtrack to Tom Geens’ debut feature film ‘Couple In A Hole’, the band reveal a previously unheard track taken from the OST. Geoff Barrow of the band says of the collaboration: “It was a total pleasure to work with Tom on his film and it’s also been great to have so many people support a film that is as unusual and uncompromising as this”.

The film is set for general release on April 8, 2016 with the soundtrack to follow shortly after. “Couple In A Hole” was written and directed by Tom Geens and stars Kate Dickie (Game of Thrones, Prometheus, Red Road) and Paul Higgins (In the Loop, Utopia) as a couple who, after suffering a tragedy, begin living in solitude in a cave in the woods.

Premiered at the Toronto International Film Festival last month, the film saw inclusion in both the Guardian and Hollywood Reporters festival highlights. The Guardian went on to reward the film a 4* review describing it as a “poignant and freshly told film about the devastating power of isolation.” The film also won the main three awards (including the Golden Hitchcock for Best Film) at the 26th Dinard British Film Festival.

BEAK> feature Billy Fuller & Geoff Barrow who are both based in Bristol, UK and are signed to Invada Records. They have released two full length albums and several EP’s / Singles.

Hundreds

Wilderness Tour 2016 + Odd Beholder
Di 15 Nov 2016 Archiv

präsentiert von Flux FM, Intro, Vevo, Kulturnews, musikblog

Am 4. November 2016 erscheint mit „Wilderness“ das dritte Album von Hundreds. Seit ihrem Debüt ist die Musik des Geschwister-Duos offener geworden, ohne dabei etwas von ihren Geheimnissen einzubüßen. Zwei Jahre nach dem letzten Album „Aftermath“ sind Eva und Philipp Milner mutiger und experimentierfreudiger geworden. Als Hörer erfährt man ihre Musik als klar und kraftvoll; die von Philipp sorgsam arrangierten elektronischen Beats treffen auf Evas melancholische Texte. Dabei dominiert eine düstere Sehnsucht, die immer getragen wird von Euphorie und purer Lust an der Musik.

Mit dem neuen Album entstand ein großes, ungewöhnliches und brachiales Werk, das, tief in elektronischen Klangwelten versunken, ein Stück Menschheitsgeschichte intoniert. Dabei durchbrechen die Milners die Strukturen konventioneller Popmusik und ersetzen sie durch ausufernde Arrangements und ungewöhnliche Beats. Trotzdem findet die Platte noch

Platz für den detailverliebten Pop aus der Anfangszeit, der Hundreds 2008 schlagartig bekannt machte. Seit ihrem Debüt haben die Hamburger ausverkaufte Touren in ganz Europa gespielt. Zuletzt supporteten sie Alt-J auf ihrer Deutschlandtour, reisten zum CMJ Festival nach New York, und bespielten 2014 die MUSEXPO in Los Angeles. Auf ihrer Reise werden sievon dem Schlagzeuger Florian Wienczny unterstützt, der die Geschwister begleiten wird. Hundreds arbeiten für die Live-Shows mit Künstlern zusammen, die mit ihnen gewachsen sind, die Musik blind verstehen und umsetzen.

Mit ihrem zweiten Album “Aftermath” haben uns die Milners mit in den Wald ihrer Kindheit genommen. Als Rückzugsort und unheimliche Fantasiewelt spielt der Wald auch im neuen, dritten Album “Wilderness” eine entscheidende Rolle. Im Sommer 2015 begann dazu die Arbeit im hauseigenen Studio im Wendland.

So handelt das Album vom Einbruch des Menschen in die unberührte Natur. Hundreds schreiben mit dem Album eine berührende und soundgewaltige Kulturgeschichte, in der klar wird: Der Mensch ist des Menschen Wolf und wird sich am Ende selbst vernichten. Produziert wurde das Album teilweise von Jochen Naaf , der schon als Co-Produzent bei der Single „Our Past“ mitwirkte. Mit „Wilderness“ wagen die Milners wieder etwas Neues: Ein Neuanfang als Befreiungsschlag.

 

Odd Beholder

Du sitzt eher ungemütlich auf einem Bierharass und guckst den Sternen beim Drehen zu. Wahrscheinlich neigt die Welt sich langsam in den Arsch, aber mit diesem Gedanken ist dir nicht geholfen. Du bist Austauschschüler auf Lebzeit, betrinkst dich mit Schlangenwein, gestern noch stapftest du im Mondschein auf der chinesischen Mauer herum. Du glaubst, dass dein einziges Problem ist, dass dich so gottverlassen fühlst und schüchtern bist. Dabei hast du keinen Empfang. Nicht mal ein Sendungsbewusstsein. Ladies and Gentlemen: Odd Beholder

Die Wärme von Säugetieren. Der Klang des Meeres. Ein Junge, der lächelt. Wenn man etwas lange und gründlich genug betrachtet, wird man zu diesem etwas. Und wenn das passiert, verschwindet man. Gelassenheit. Krachfetzen. Das Getöse, mit dem Blut durch Adern fließt. Die Schüchternen, angezogen vom Rampenlicht.
Er stürmt instinktiv nach vorn. Sie züchtet Notizen wie Bakterien in einer Petrischale. Alles Forschung. Zögern. Dinge, die nicht gesagt wurden. Bis zur Lähmung nachdenken. Chaos. Die Perspektive verändern. Lieder schreiben, um Rührung haltbar zu machen für raue Zeiten.

Regen. Elektrizität. Klang als Textur. Klänge sammeln. Synthesizer und Drum Machines. Wege finden, dem umtriebigen Geist zu entkommen und Angst in Schach zu halten. Zum Glück ist Poesie ein Kode, die gefährlichsten Dinge lassen sich aussprechen, ohne sie tatsächlich zu sagen.

Odd Beholder wurde 2013 in einem Luftschutzkeller in Dietikon gegründet. Daniela Weinmann schrieb die Lieder in der Wohnung des Künstlers Curdin Tones in Amsterdam. Aufgenommen wurde die Musik in Berlin. Live ist Odd Beholder von minimalistischem Drumprogramming und Synthsounds geprägt. Den Videoclip zur Single „Landscape Escape“ drehten die Berliner Filmer Grambow & Kirchknopf in Aserbaidschan in Zusammenarbeit mit der Azerbaijan Social & Modern Dance Association. Für das EP-Cover konnten sie die Künstler Taiyo Onorato und Nico Krebs gewinnen. Ihre Debüt-EP erschien am 16. September 2016 bei Sinnbus Records.

 

Covenant

+ Faderhead + Iszoloscope The Blinding Dark Tour 2016
Do 17 Nov 2016 Archiv

Im Herbst erscheint das neue Covenant Album „The Blinding Dark“. Als Special Guests werden u.a. Faderhead dabei sein.

Peter Subway & The Tickets

+ BBC (British Beef Club) + Wolfgang Scheele Band feat. Billy Crize
Fr 18 Nov 2016 Archiv

Record Releaseparty von Peter Subway & The Tickets am 18.11.2016

Es würde in Berlin etwas fehlen, wenn Peter Subway nicht hin und wieder mit seiner Band „The Tickets“ die Bühnen der Stadt, mit seinem „Rock’n Pop’n Folk’n Roll“, unsicher machte.

„Boom Chaka Boom“-Gitarre trifft auf „Slap“-Bass. Keinesfalls aus der Retorte, sondern urig. Jetzt hat die Band ein brandneues Album, mit Songs aus der Feder des Bandleaders, im Gepäck. Diese, hat Peter Subway (Singer-Songwriter)  mit seinem Freund und Musikerkollegen  Wolfgang Scheele, produziert.

„Refugee“ heißt die CD und neben dem Kontrabass von Dieter Dienstag , den Drums von Tom Tommler, haben viele befreundete Gastmusiker den Weg ins „Sigamusic“ Ton-Studio in Kreuzberg, gefunden.

Am 18.November 2016 findet nun die Record Release Party im Columbia Theater (früher bekannt als Columbia Fritz) statt, um das neue Werk vorzustellen.

Mit dabei sind zwei Supportbands: BBC (British Beef Club-Solid Rock) und die Wolfgang Scheele Band feat. Billy Crize (Blues Rock). Der Einlass startet um 19°° . Alle drei Bands gehören zum Rock’n Roll-Urgestein im Kreuzberger Kiez.

Mehr Termine und mehr Infos über Peter Subway findet man auf der Website: www.petersubway.de

Karten gibt es an allen bekannten Vorverkaufsstellen.

Brant Bjork

with special guest and desert legend Sean Wheeler + Black Rainbows
Sa 19 Nov 2016 Archiv

Mehr Desertpunk als dieser Mann geht einfach nicht: Unweigerlich ist der Begriff Stonerrock mit Brant Björk verbunden und keiner der ehemaligen Kyuss Recken lebt ihn so wie der braungelockte Multi-Instrumentalist der privat zwischen Wüste und Venice Beach pendelt.

Mit den eben genanten Kyuss meisselte er die Annalen des Wüstensounds in den Urschlamm, verdingte sich nach dem tragischen Ende von DER Stonerband als Teilzeit-Drummer von Fu Manchu und fester Teil von Vista Chino, kehrte sogar zwischendrin der Musik mal ganz den Rücken und gründetet einen Pizza_Lieferservice – bis er schließlich das einzig Richtige tat: Er machte sich selbstständig und segelt seitdem unter seiner eigenen Flagge durch die Musikmeere.

Gut getan hat es ihm und den Fans – der Mann ist produktiv und jagt ein Album nach dem anderen raus. Auf diesen entfernt er sich schon mal vom strammen heulenden Gaspedal-Sound, man will zu dieser Mucke am liebsten durchs Yucca Valley cruisen oder bei Sonnenuntergang einen Spliff rauchen, Brant groovt sich durch seine Tracks und natürlich ist das schroffe WahWah auch nicht komplett vergessen.

Letztes Jahr war Brant nach langer Zeit wieder auf der Bühne des Desertfest, dieses Jahr gibt es nach einigen Festival Auftritten endlich wieder eine Soloshow mit dem Meister aller Klassen

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The High Kings

So 20 Nov 2016 Archiv

Sie sind die beliebteste Folkband Irlands und spielen auf der Bühne zusammen bis zu 13 Instrumente: THE HIGH KINGS. Dabei sind ihre eigenen Stimmen, mit denen sie die eigenen Songs wie auch die Irischen Traditionals in perfekter Harmonie singen, noch gar nicht mitgezählt. Brian Dunphy, Finbarr Clancy, Martin Furey und Darren Holden sind zusammen The High Kings und kommen im November und Dezember auf Tour nach Deutschland.

In Irland und den USA haben sie bereits viele ausverkaufte Tourneen und mehrere Platinum-Alben gesammelt. Auf ihrem aktuelle Album „Friends for Life“ (Sony) vereinen The High Kings die Essenz ihrer energiegeladenen Songs mit traditionellen Sing-a-longs und kreieren somit den für sie typischen ‚Folk’n’Rock‘ – Sound. Alle vier Musiker kommen aus nahezu legendären irischen Musikerfamilien. So reicht die Musikertradition in Martin Fureys Familie schon über 200 Jahre zurück, und es ist kein Wunder, dass der Multi-Instrumentalist und Sänger ebenfalls bereits seit Jahren diese Tradition sehr erfolgreich fortführt. Finbarr Clancy ist der Sohn Bob Clancys, der seinerseits wiederum Teil der legendären Clancy Brothers war. Finbarr selbst stand erstmals mit 10 auf der Bühne, schrieb mit 17 seine ersten Songs und hat den Clancy-Charme ebenso geerbt wie das Gitarre- und Flötenspiel-Talent seines Vaters und seiner Onkel. Darren Holden wiederum bereiste bereits als Leadsänger von Riverdance jahrelang den Globus und spielte zudem den Piano Man in Billy Joel’s Broadwaymusical „Movin Out“. Auf die jahrelange Erfahrung bei Riverdance kann auch Brian Dunphy zurückblicken, der zudem auch am Gershwin Theatre, in der Radio City Music Hall (beide New York) und als einer der drei Irish Tenors führende Rollen sang.

Zu viert bilden diese Ausnahmemusiker The High Kings – und zusammen mit ihren Instrumenten, ihren Stimmen und ihrem unschlagbaren irischen Charme verwandeln sie jedes Konzert innerhalb von Sekunden in einen wogenden, tobenden Irishpub. „Beeindruckende Harmonie-Duelle. Zwei Stunden lang zeigt das Quartett die ganze Bandbreite seines Könnens“ schwärmte dann auch der Kölner Stadt-Anzeiger nach ihrem Konzert…

The Common Linnets

Di 22 Nov 2016 Archiv

Great songs. Sparkling guitar riffs. Acoustic string instruments. Intricate vocal harmonies. The sheer fun of playing together. All these, and many more aspects, vie for your attention when listening to The Common Linnets’ latest release ‘II’. But the overriding impression is one of a band in complete unison. They are musicians who have discovered the power of togetherness and have created a sound that rings so true, you could be forgiven for thinking the group members have been working together for years.

The Common Linnets have made immense progress. This release is all killer, no filler, right from the opening track the no-holds-barred rock song ‘We Don’t Make The Wind Blow’, to the magnificent closing track ‘Proud’. Quality is the key, evidenced by tracks such as the spooky ‘Runaway Man’, the Crowded House inspired ‘That Part’, and the stately moving ‘Soho Waltz’. Did Ilse DeLange ever hit that high and lonesome sound so well as she does on ‘Days Of Endless Time’ supported by dobro and mandolin? But ‘II’ also offers ‘Hearts On Fire’, an irresistible up-tempo dance tune, and the steel strings of ballad ‘Dust Of Oklahoma’ plucking at heartstrings.

The vocal harmonies reflect the influence of 1970’s West Coast groups such as Fleetwood Mac, Crosby, Stills and Nash & Young but ‘II’ is clearly in the Americana and alt-country vein. Small wonder, considering that the tracks were recorded in Nashville, Tennessee, with guest contributions from dobro player Jerry Douglas and pedal steel specialist Paul Franklin, two of the biggest names in the genre. In the words of co-producer JB Meijers: “These guys are some of the finest musicians on the planet. I deeply admire people like Jerry. He is completely relaxed in the studio and I wasn’t even that aware of him. But when at night at playback time I listened to the stuff we did during the day I thought: holy shit, we’ve got a genius like him on the team!” Yet, the band created a timeless and unique signature sound. JB: “Of course, the roots of the music are American, simply because we all love that tradition. But we are not purists. We do employ chord changes and melodies that are truly European and that gives the music a subtle twist”.

That is how it should be. After all, The Common Linnets are a transcontinental band and the American singers and songwriters Matthew Crosby and Jake Etheridge often spend weeks on end in Europe. Early this year all four members of the band went to Berlin to work on material that became the backbone of ‘II’.

Throughout a tumultuous year other songs were written in dressing rooms, on tour buses and in studios. The tour that started last fall – ‘soul winning’ as Ilse calls it – took them to various continents and was a huge success. All kinds of gold, platinum and other awards were bestowed on the band. There was the European EBBA-Award (presented by Jools Holland, who immediately invited the group to play on his BBC Radio show), The German Regenbogen Award and equally prestigious Echo Award, plus a slew of other international awards. Only two years ago The Common Linnets were just an idea of Ilse’s, who wanted to work in the relative anonymity of a band and to record an album with like-minded musicians. This became Low Profile.

The result was anything but low profile and taking part in the Eurovision Song Contest put them straight in the spotlight. ‘Calm After The Storm’ won an astounding second place and became a number one hit in fourteen European countries! The eyes of the world were upon them and everybody wanted to see them perform. But who are The Common Linnets? Most people got to know them as a duo.

On the eve of their European tour they decided on the group approach. Tricky: from a duo to a full group and from the brightly lit Song Contest stage to murky rock venues. They were guided by a single motto: let’s go with the flow and see how far we get. Looking back Ilse says: “The Song Contest was fantastic and we gained a vast audience. We were the odd one out with a beautiful little song that got us to second place. But you can’t expect that momentum to last and we had to start creating our own music.” To which JB adds: “The Song Contest has its own drawbacks. We had to prove that we could really play and put on a complete show. I think we succeeded. On stage we quickly became a tight-knit unit.”

Of course, the gradual success was more than welcome. But the feel good factor was more important. In their ‘cocoon’ of constant touring, composing and recording the group grew very close. “Suddenly we were on this unforeseen and completely unknown adventure trip,” Ilse says. “The start of international recognition and the possibility of bigger things is all new and exciting to us. You can try to tell your friends and relatives how it feels, but we are in the midst of it and that has really brought us together.”

New songs seemed to come spontaneously and we were given the chance to mature on stage. The vocal harmonies grew ever tighter. The group spirit is evident by the absence of real solo tracks on ‘II’. Jake states: “We often work on a song together. And once our vocal parts start blending to a point where we’re all singing with big smiles on our faces we know that we’ve got a damn good song. That’s how we operate.”

Ilse concurs: “Our music grows organically and that is very important to me. We did not start out to score hits and get platinum records. It is all about our love for music and creating something that comes from the heart. I wanted to be free of all the expectations I have to deal with as a solo artist and be part of a band. Our new record has really improved on that score, so we’re heading in the right direction.” And the ego of a singer grown accustomed to being in the spotlight on stage? “Oh, that’s doing fine,” she smiles, “but thanks all the same.”

A fantastic new record. A fully booked agenda for well into the next year. The future looks bright for The Common Linnets. Ilse: “The main thing is the fun we are all having and that is something we want to hang on to. Whatever happens, we are in this together so things could not be better.”

Lukas Rieger

Compass Tour
Mi 23 Nov 2016 Archiv

Von Hannover nach LA: Der 17-jährige Lukas Rieger ist die Internet-Sensation der Stunde.
Warum in Hannover bleiben und vom Echo träumen, wenn man nach LA gehen und auf den Grammy schielen kann?
Der 17-jährige Lukas Rieger meint es ernst! Statt sich mit der deutschen Version von Popmusik zufrieden zu geben, geht er gleich an die Quelle der heißen Sounds, die die Popwelt bewegen:
Nach Los Angeles. Und wenn man ihn schon als ›deutschen Justin Bieber‹ bezeichnet, sieht seine Antwort darauf so aus, dass er auf seinem in Kürze erscheinenden Debutalbum gleich mit dessen Produzenten zusammenarbeitet – und sich obendrein noch die von Selena Gomez,

Chris Brown und Rihanna dazuholt. Seine aktuelle Single ›Elevate‹ macht deutlich, dass diese Herangehensweise nicht etwa in Selbstübersch.tzung endet, sondern tatsächlich zu Popmusik von Weltformat führt.
Bekannt wurde Lukas, der zur Zeit eine Ausbildung bei einer Filmproduktionsfirma macht,durch seine Coverversionen von Hits internationaler Topstars, die er auf YouTube, Instagram, Snapchat und diverse andere Kanäle der sozialen Medien stellte. Diese Coversongs erreichten beständig die 1 Million Click Marke und bereiteten ihm so ein Forum für seinen nächsten Karriereschritt – nämlich den, als eigenständiger Künstler wahrgenommen zu werden. Seine Internetpopularität verhalf ihm dazu, nach Los Angeles zu gehen und dort ein Team von international renommierten Produzenten zu gewinnen, das ihm einen Sound zwischen Urban Pop, Dance und Singer/Songwriter-Akustikelementen auf den Leib schneiderte.

So ist ein Album entstanden, dass sich international vor keiner aktuellen Produktion verstecken muss – aber das reicht Lukas Rieger noch nicht. Als Produzent seiner eigenen Videos ist sein Anspruch an alle Aspekte seiner Musikkarriere immens hoch. Das Video zu ›Elevate‹ macht deutlich, dass Rieger groß denkt – und groß abliefert!

Dass man dasselbe auch von seiner Bühnenshow erwarten darf, versteht sich dabei von selbst.
Und dafür arbeitet Lukas Rieger sehr hart – er will in jeder Hinsicht überzeugen! Denn wie er kürzlich bei einem Interview zu Protokoll gab: »Es reicht mir nicht, nur gute Musik zu machen – ich will auch ein guter Performer sein« – wenn man sich ansieht, was ihm bisher so geglückt ist, dürften das ziemlich gute Shows werden!

 

 

 

Tony Hadley

Do 24 Nov 2016 Archiv

Kari Bremnes

with Børre Flyen, Sondre Meisfjord, Børge Petersen-Øverleir, Bengt E. Hanssen, Geir Østensjø präsentiert von Jazzthing und Kulturnews
Fr 25 Nov 2016 Archiv

Man glaubt es kaum, wenn man die scheinbar alterslose Norwegerin auf der Bühne sieht:

Über drei Jahrzehnte dauert ihre Karriere inzwischen an – und wie keine andere verkörpert sie das Songwriting des modernen Skandinaviens.

Sie versteht es, mühelos die musikalischen Vorlieben ihrer Landsleute zu einer eigenen Handschrift zu kombinieren, in der arktischer Folk, gebremster Pop, elaborierter Jazz und moderne Beats gleichsam nebeneinander stehen.

Über die Jahre hat sie auf diese Weise ihr völlig eigenes Genre entwickelt. In ihrer Heimat, in der die Alben von Leonard Cohen und Tom Waits deutlich höhere Verkaufsränge erzielen als die von Madonna oder Lady Gaga, ist sie inzwischen gar zu einer echten musikalischen Ikone avanciert.

Dass eine so lange Karriere immer wieder Veränderungen unterworfen ist, versteht sich von selbst – eines ist jedoch genauso gültig wie ganz am Anfang: Nach wie vor zählt für Kari Bremnes der direkte Austausch mit ihrem Publikum mehr als alles andere – die Bühne ist der Ort, wo sie sich am wohlsten fühlt und ihren Zuhörern am nächsten ist.

Dort gibt sie alles, was sie hat – der Kern ihrer Kunst liegt in dieser unmittelbaren Nähe zu den Menschen und ihren Geschichten über das Leben. Über Verlorenes, Gefundenes, über Großes und Triviales – »ich möchte den Leuten etwas Kraftvolles, Offenes und Direktes geben«, sagt Kari Bremnes.

Auf ihrer Herbsttournee durch Deutschland wird sie dies mit ihrer exzellenten Band und einer Mischung aus neuen und alten Songs, die das Publikum seit jeher liebt, einmal mehr eindrucksvoll in die Tat umsetzen.

Besetzung:

Kari Bremnes (voc)

Børre Flyen (dr)

Sondre Meisfjord (b)

Børge Petersen-Øverleir (g)

Bengt E. Hanssen (key)

Geir Østensjø (sound)

www.karibremnes.

 

Psychedelic Night

Fr 25 Nov 2016 Archiv

Monervo als Gastgeber bei Berlin´s größter XXXL Psychedelic NIGHT !
Sponsored by IRON SHOP BERLIN

Imany

Don't Be So Shy 2016
Sa 26 Nov 2016 Archiv
Ausverkauft / sold out Website

Die französische Soul-Diva im November für drei exklusive Konzerte in Deutschland.Im Gepäck der #1-Smash-Hit „Don’t Be So Shy“. Neues Album „The Wrong Kind Of War“ im August.

Keine Frage, 2016 ist das Jahr der IMANY. Nicht nur, weil im Frühjahr ihr Song „Don’t Be So Shy“ in der Remix-Version der zwei DJs Filatov & Karas europaweit die Single-Charts eroberte (Platz eins auch in Deutschland!). Sondern vor allem, weil die in Paris lebende Sängerin mit „The Wrong Kind Of War“ ihr neues Album veröffentlicht. Die Tracks ihrer in Dakar und Paris aufgenommenen CD präsentiert sie jetzt auch live. Im November kommt die charismatische Sängerin nun für drei Konzerte nach Köln, Hamburg und Berlin.

IMANY ist eine Ausnahmekünstlerin. Und das in allen Belangen. Während viele Künstlerinnen den schnellen Erfolg suchen, lässt sich die 1979 im französischen Martigues geborene Schönheit Zeit. Sie versucht sich in diversen Kunstformen; lebt in New York, avanciert zum Top-Model, ist Teil der Glamour-Szene – und dennoch ist all das für IMANY nicht genug. Getreu ihres Künstlernamens, der für „Vertrauen“ und „Aufrichtigkeit“ steht, wagt sie 2009 in Paris den Neuanfang – als Sängerin und Songschreiberin.

So riskant dieser Karriereschlenk erscheinen mag, so sehr hat er sich gelohnt. Schon für ihr 2010 erschienenes Debüt-Album „The Shape Of A Broken Heart“ erntete IMANY überschwängliche Kritiken. FOCUS erkannte, dass „der markante warme Soul“ direkt in die Seele gehe, Cosmopolitan verglich ihre „tiefe Soulstimme“ mit einem „warmen Sommerwind“ und Elle schwärmte von einem „wundervollen Soul-Folk-Debüt“.
Seitdem hat Nadia Mladjao, wie IMANY bürgerlich heißt, 2014 den Soundtrack zu „French Women – Was Frauen wirklich wollen“ veredelt, mehr als 400 umjubelte Konzerte gegeben und rund eine halbe Million Alben verkauft. Mehr noch: Die singende Beauty hat im Verlauf ihrer noch jungen Musikkarriere bereits zu ihrem eigenen Sound, zu ihrem ureigenen Stil gefunden: Klänge, die sich gegen Schubladen zur Wehr setzen und irgendwo im Grenzfeld zwischen Soul, Folk, Blues und Pop angesiedelt sind. Das gilt – mehr denn je – auch für die Songs ihrer neuen CD „The Wrong Kind Of War“.

Mit dem letzten Werk macht IMANY den nächsten Schritt hin zu einer noch komplexeren Künstlerin. Bereits der Albumtitel lässt vermuten, dass sie auch brisante Themen nicht ausspart. Wie sehr sie ihr Storytelling verfeinern konnte, zeigt sich aber vor allem in großartigen Lovesongs wie „I Long For You“ und der herrlichen Bestandsaufnahme der eigenen Befindlichkeit „I’m Not Sick But I’m Not Well“, bei denen sie doch glatt an Songwriter-Fürst Bob Dylan erinnert. Um welch begnadete Sängerin es sich bei IMANY handelt, wird vor allem bei Blues- und Jazz-getränkten Titeln wie dem berührenden „I Used To Cry“ deutlich. Hier steht die junge Künstlerin ganz in der Tradition von Ikonen wie Billie Holiday und Dinah Washington.

Weitere Glanzlichter der CD setzen das an das Umweltbewusstsein appellierende „The Rising Tide“, die harsche Medienkritik von „Save Our Soul“ und – als unbeschwerter Kontrapunkt – das zum Sommerhit avancierte „Don’t Be So Shy“ in der prächtigen Originalversion. Großen Einfluss auf das Klangbild der CD hatten, so IMANY, die vielen Konzertreisen: „Das Live-Spielen hat uns viele neue Impulse gegeben“, sagt sie. Nachzuprüfen ist dies bei der anstehenden Kurz-Tournee, die sie für drei Konzerte nach Köln, Hamburg und Berlin führt. Erneut wird deutlich: Wie gut, dass IMANY den Catwalk gegen die Bühnenbretter eingetauscht hat.

The Julie Ruin

Support : Rattle präsentiert von RadioEins
So 27 Nov 2016 Archiv

Während The Julie Ruins Live-Appearance in der letzten Zeit immer mal wieder von Kathleen Hanna’s Borreliose-Erkrankung unterbrochen wurde, kehren diese nun frisch gestärkt und mit einem neuen Album zurück.
Und was es bisher vorab zu hören gab, ist mehr als promising: „Hit Reset“ wird im Juli 2016 auf dem Sub Pop-Sub-Label Hardly Art Records erscheinen und „Run Fast“ (ihr Band-Debüt von 2013) so konsequent weiterdenken, dass sich vermuten ließe, Kathleen Hannas frühere Bands Bikini Kill und Le Tigre seien bloß ein Warm-Up gewesen, um The Julie Ruin fix in der Post-Punk-Hall-of-Fame zu installieren.
Kantige Basslines, uptight Beats, Stakkato-Gitarren und DooWop-Backing-Vocals kontrastieren auch hier wieder Hannas nasale Hyperventilation und zeigen, dass The Julie Ruin zu keiner Zeit in besserer Verfassung gewesen sind. Und somit gilt nachwievor der Dreisatz: Wenn Bikini Kill ein Wasserkraftwerk war und Le Tigre für nachhaltigen Energie stand, dann ist The Julie Ruin der Teilchenbeschleuniger einer erwachsen gewordenen Post-Riot-Grrl-Bewegung.

Skindred & Zebrahead

+ Sanguine präsentiert von SLAM Metal.de , EMP und Star Fm from Hell
Di 29 Nov 2016 Archiv

SKINDRED legen im Moment letzte Hand an ihr neues Album, das Ende Oktober erscheint und einen überaus passenden Namen trägt: „Volume“

Lautstärke ist genau das, was die Waliser schon immer ausgezeichnet hat, auf ihren Platten und auf der Bühne noch mehr. Ihre im November folgende Tour heißt dann auch folgerichtig: „Pump up the volume!“ Seit einigen Tagen kursiert im Netz bereits die erste Single „Under Attack“. Frontmann Benji Webbe sagt dazu: „Wir wollten zu Anfang erst einmal etwas abliefern, was richtig rockt und gleichzeitig melodisch straight daherkommt. Das ist uns beides voll gelungen.“ Dieses Selbstbewusstsein ist wie immer gerechtfertigt: SKINDRED spielen ihren Ragga-Metal sowieso ausschließlich nur unter Volldampf – für die neue Platte gilt das ganz besonders.

Das Quintett hat gar nicht erst versucht irgendwelche radiotauglichen Stücke zu schreiben. Stattdessen besteht der neue Dred-Sound aus Hymnen für den Samstagabend im Alternative Rock Club, die die Massen unwiderstehlich auf die Tanzfläche ziehen sollen. Noch immer sind Reggae, Metal, Rap und Punk die Zutaten, die Tracks sind aber rifflastiger geworden. Auf Melodie und Harmonien wurde mehr Wert gelegt, Sprechgesang, Toasting und coole Refrains wechseln sich ab. Was für die Shows im Herbst von SKINDRED nur von Vorteil sein kann, zumal die Band bei jedem Auftritt wieder und wieder Höchstleistungen bringt, in Interaktion mit ihren Fans tritt und die komplette Crowd zum Moshen bringt.